Mondays With Morgan: Linda May Han Oh (neues Album „The Glass Hours“)

Mondays With Morgan ist eine Kolumne in LondonJazz News, geschrieben von Morgan Enos, einem Musikjournalisten aus Hackensack, New Jersey. Darin taucht er tief in den Jazz ein, der ihn bewegt – sein Hauptaugenmerk gilt der Szene im nahegelegenen New York City.

Diese Woche sprach Enos mit Linda May Han Oh, deren Beherrschung des akustischen und elektrischen Basses sowie der Komposition ihr zahlreiche Auszeichnungen eingebracht hat Ehrungen und Auszeichnungen, darunter ein GRAMMY im Jahr 2022 für einen Auftritt in Terri Lyne Carringtons New Standards Vol. 1.

Ohs neues Album, The Glass Hours, ist jetzt bei Biophilia Records erhältlich. Einen Kauflink finden Sie am Ende dieses Artikels.

Da die Pandemie eine universelle Erfahrung war, wurde sie für Jazzmusiker zu einer Art Refrain – unzählige Praktizierende stützten sich in der Presse darauf, und das nicht ohne guten Grund. (Besonders angesichts der entmutigenden wirtschaftlichen Realität, die der Hackversuch in dieser Zeit mit sich bringt.)

Was macht Bassisten und Komponisten aus?Linda May Han Oh Ist die Reaktion auf diese globale Tragödie herausragend? Diese Emotionalität ist in der Musik sofort spürbar – nicht nur auf dem einen Blatt.

Auf ihrem mitreißenden neuen Album „The Glass Hours“ durchdringen Isolation, Verlust und Widerstandsfähigkeit jede Note, die sie spielt – jede Melodie, Harmonie und jeden Rhythmus, den sie orchestriert.

„Ich erinnere mich an Musikunterricht, in dem wir schon in jungen Jahren, als ich Musik lernte, dazu ermutigt wurden, darüber nachzudenken, wie wir uns fühlen. Wie fühlen wir uns, wenn wir Musik machen?“ Oh erzählt LondonJazz News. „Ich denke darüber nach, wenn ich schreibe; ich denke darüber nach, wenn ich improvisiere und Solo spiele.“

Mit SängerSara Serpa, TenorsaxophonistMark Turner,PianistFabian Almazan, und SchlagzeugerObed Kalvarienberg„The Glass Hours“ ist voller Schwierigkeiten und Freuden von allem, was Oh seit ihrem letzten Leader-Album „Aventurine“ aus dem Jahr 2019 erlebt hat.

In der Zwischenzeit ist sie kreativ in Flammen aufgegangen. Sie erschien auf Alben unter der Leitung des Gitarristen Pat Metheny, der Saxophonisten Jim Snidero und Paul Jones, des Saxophonisten Walter Smith III und des Gitarristen Matthew Smith, des Trompeters Dave Douglas, des Pianisten Vijay Iyer und der Schlagzeugerin Terri Lyne Carrington.

Sie erlebte auch einen erdrückenden Lockdown – soweit es die Landesgrenzen betraf – und sie und ihr Mann Almazan brachten einen kleinen Jungen zur Welt [Link zu Ohs Interview für LJNs „Mothers in Jazz“-Reihe finden Sie am Ende dieses Artikels] . „In den letzten Jahren ist meine Musik auf eine Weise gewachsen und weiterentwickelt worden, von der ich nicht wirklich wusste, dass sie es tun würde“, sagt Oh.

Lesen Sie weiter für ein ausführliches Interview mit Oh über den Weg zu The Glass Hours, ihre Beziehung zu ihren Begleitern und wie die Extreme der letzten Jahre ihre Kreativität entfachten.

LondonJazz-Neuigkeiten: Können Sie zusammenfassen, was in Ihrem Leben und Ihrer Karriere seit Aventurine passiert ist? Es scheint eine wilde Fahrt gewesen zu sein.

Linda May Han Oh: Ja, es war eine wilde Fahrt. Als ich anfing, diese Musik zu schreiben, war das vor der Pandemie, etwa im Jahr 2018. Als wir anfingen, die ersten Inkarnationen dieser Musik zu spielen, war es in der Jazz Gallery [in New York City].

Ich dachte im Grunde über dieselben Themen nach – insbesondere über die Idee der Zerbrechlichkeit der Zeit. Es ist interessant, wie vieles von dem, worüber ich geschrieben habe, auch heute noch eine sehr starke Resonanz bei mir hat.

Im Laufe der Pandemie wurde die Vorstellung von der Zerbrechlichkeit der Zeit und dem, was wir damit machen, noch stärker in den Vordergrund gerückt, aber ich denke, dass sich zu diesem Zeitpunkt jedermanns Vorstellung von Zeit verändert hat.

Ich denke, jeder hat sich gefragt, was er tut und was ihn glücklich macht – er hat darüber nachgedacht, welche Wahlmöglichkeiten er hat, wenn er diese Wahl hat. Wie sie ihre Zeit mit der Arbeit, mit ihrer Familie usw. verbringen wollten.

In Anbetracht dessen hat sich all diese Musik verändert und weiterentwickelt. In dieser Zeit – seit 2018, 2019 – war ich ziemlich viel auf Tour, und dann kam es 2020 zu einem sehr abrupten Stopp.

Ich wurde zu einer Tournee mit Pat Metheny nach Südamerika eingeladen, und wir mussten uns entscheiden, ob wir von Argentinien nach Mexiko, Brasilien, Chile und Kuba weiterreisen wollten oder nicht – wo wir noch andere Shows hatten. Und einer nach dem anderen begannen sie alle wie Dominosteine ​​zu fallen.

Fabian war auf dem Weg zum Hollywood Bowl, als er die Aufforderung erhielt, nicht zum Flughafen zu fahren und umzukehren. Es war für alle beängstigend – eine Zeit der Unsicherheit.

Gleichzeitig gab es diese Pause, die es Fabian und mir – die wir uns nach der Tour monatelang nicht sehen sollten – ermöglichte, tatsächlich miteinander zu sein. Zum Nachdenken und [lacht] tatsächlich miteinander zu Abend essen, was damals so selten war.

Ich hatte das Glück, immer noch mit Fabian Musik machen zu können – Live-Aufnahmen und Live-Streams zu machen, dank unglaublich einfallsreicher Musiker für Live in Our Living Rooms, das ein Auftrag von [Sänger und Komponist] Sirintip, [Saxophonist und Holzbläser] war. Owen Broder und [Mitsängerin und Komponistin] Thana Alexa.

Und [Bassist] Anthony Tidd mit seinem Livestream-Projekt und anderen Veranstaltungsorten, die wirklich auf dem Laufenden waren; Sie boten Möglichkeiten und Plattformen für Musiker, und dafür war ich wirklich dankbar.

LJN:Ich weiß, dass die Geburt eines Kindes ein monumentaler Teil dieser Zeit war.

LMHO: Ungefähr zu dieser Zeit wurde ich schwanger und wir beschlossen, in unsere Heimatstadt Perth zurückzukehren, wo es wirklich kein Covid gab. Sie hatten als Staat ihre Grenzen geschlossen, und es war nicht einfach, hineinzukommen. Wir hatten das Glück, rechtzeitig einzureisen und mit der Familie zusammen zu sein und diese Zeit dort zu verbringen.

Ich unterrichtete immer noch und versuchte immer noch, Live-Streams zu machen. Ich habe einen kleinen Jungen zur Welt gebracht, Nilo, der im Moment der Mittelpunkt meiner Welt ist. Es war ein Balanceakt zwischen Mutterschaft, Lehren, Auftritten und Komponieren, aber es war eine so belebende Herausforderung.

Insgesamt waren es ein paar wirklich erfüllende Jahre und ich fühle mich einfach unglaublich glücklich. Ich denke, ein Großteil dieser Musik hat damit zu tun, dass ich mich in vielerlei Hinsicht so privilegiert fühle. Einige der Lieder, die ich geschrieben habe, sind eine Art Gebete für die Hoffnung, dass alles besser wird.

LJN:Wie so?

LMHO: Zum Beispiel ein Lied wie „Jus Ad Bellum“; Es gibt Menschen auf dieser Welt, die nicht das gleiche Glück haben wie ich, allein schon deshalb, weil ich in einer Familie geboren bin, an einem Ort, an dem ich nicht damit zu kämpfen hatte, für den Krieg rekrutiert zu werden oder dort zu leben in einem Kriegsgebiet.

Ich denke über viele dieser Dinge nach, wenn ich diese Musik schreibe; Das ist für die Menschen auf der ganzen Welt nicht so. Ein Teil dieser Musik hat etwas mit Hoffnung zu tun und ist eine Art Frage, ein Vorschlag für uns, die Momente, die wir miteinander verbringen, zu genießen.

Bei „Circles“ – der hedonistischen Tretmühle – geht es um unser Streben nach Glück, insbesondere mit materiellen Besitztümern. Aber einfach diese Vorstellung: Wir glauben, wir werden glücklich, wenn wir dieses eine Ding bekommen, oder wenn das passiert.

Es ist in The Glass Hours sozusagen darauf ausgelegt, in den gegenwärtigen Moment hineingezogen zu werden und diese hektische Energie zu spüren.

Und etwas an der Pandemie hat uns dazu gebracht, viel darüber nachzudenken, wie wir unsere Zeit verbringen und wie wir Glück definieren.

LJN: Lassen Sie uns jeden Begleiter bei The Glass Hours besprechen, beginnend mit Fabian. Offensichtlich handelt es sich bei Ihnen um eine sehr persönliche Verbindung, aber auf musikalischer Ebene – so sehr das auch mit dem persönlichen Aspekt übereinstimmt – sagen Sie mir, wie Sie miteinander kommunizieren.

LMHO: Wir spielen seit 2006 miteinander, also seit 17 Jahren. Wir haben viel Zeit damit verbracht, gemeinsam in den Gruppen des anderen zu musizieren und als Sidepeople in verschiedenen anderen Projekten.

Wir reden viel über unsere Konzepte und die Art und Weise, wie wir mit Musik arbeiten – wie wir anders und ähnlich arbeiten. Es ist eine so starke Verbindung, die ich spüre, wenn ich mit ihm spiele, weil wir so viel Geschichte haben.

Mit vielen unterschiedlichen Herangehensweisen an Melodien und Harmonien sind wir uns einig; Er hat mir viel über den Umgang mit Harmonielehren beigebracht.

Mit ihm macht es immer viel Spaß, die Gegend zu erkunden. Er ist immer so im Moment. Diese Insider-Witze haben wir oft, wenn es ums Improvisieren geht. Wenn einer von uns etwas Unerwartetes tut, sind wir meistens dabei.

Vielleicht habe ich eine Vorstellung davon, was wir vorhaben, und wir werden versuchen, diese zu bekommen und zu sehen, ob wir in diesem bestimmten Moment etwas Aufregenderes schaffen können.

Es gibt Momente, in denen wir gemeinsam Lieder spielen, die wir gut kennen, und daraus könnten wir etwas in einer etwas anderen Tonart ableiten oder ein anderes Lied von mir zitieren, und wir werden versuchen, das aufzugreifen und zu sehen, wohin das führt.

Es macht echt Spaß; Es ist wirklich erstaunlich, eine solche Beziehung mit jemandem zu haben – das Repertoire des anderen so genau zu kennen und in der Lage zu sein, im Moment so flexibel zu sein. Fabian hat so starke Ohren und ist bereit, mit dir zu gehen. Er ist mutig und es ist wirklich inspirierend, mit dieser Energie in einer Band zu spielen.

LJN:Kannst du eine musikalische Verbindung zu Sara aufbauen?

LMHO: Ich kenne Sara schon lange; Wir haben vor ein paar Jahren immer gespielt. Sie arbeitete mit demselben Manager zusammen wie ich, Izumi Uchida.

Ich kann mich nicht an das erste Mal erinnern, als wir uns trafen, aber wir hatten viele gemeinsame Freunde, die in Berklee oder NEC studiert haben. Ich wusste von ihrer Arbeit und ihrem Studium beim Pianisten Ran Blake. Ich bin so ein großer Fan von Ran Blake; er arbeitete mit [der verstorbenen Sängerin und Komponistin] Jeanne Lee zusammen.

Und ich war schon immer ein großer Fan von Saras Stimme und ihrer Arbeit. Ich habe ihre Stimme mit einem reichen, dunklen, vollmundigen Glas Wein verglichen. Es ist nichts übertrieben; es verkörpert einfach diese subtile Schönheit.

Wir haben ein bisschen in ihrer Gruppe gespielt und im Laufe der Jahre einige wirklich schöne Momente erlebt. Ich erinnere mich, als Izumi [im Jahr 2014] starb, spielten wir dieses angolanische Volkslied namens „Muxima“. Es war eine wirklich traurige Zeit, als Izumi starb; es geschah ganz plötzlich.

Es war einfach ein wunderschöner Moment, mit all diesen wunderbaren Menschen dort zu sein, und ich erinnere mich, dass Sara zu dieser Zeit schwanger war. Es war einfach eine bewegende Zeit, im Duo zu spielen. Es ist so ein wunderschönes Lied: [singt] „Muxima ue ue, muxima ue ue.“

Ich wollte schon immer ein Projekt mit ihr haben, und ich bin froh, dass wir es möglich gemacht haben. Sie ist ebenfalls biophil, daher liegen uns die gleichen Themen am Herzen, und ich bewundere sie wirklich – musikalisch und ansonsten.

Ganz zu schweigen von ihrer Arbeit mit M³ [Mutual Mentorship for Musicians]; Sie und [Sängerin, Komponistin und M³-Mitbegründerin] Jen Shyu sind zwei der fleißigsten Menschen, die ich kenne. Ich bin so froh, dass sie dabei ist.

LJN:Können Sie etwas über die Einbeziehung des gesprochenen Wortes in „The Glass Hours“ sagen?

LMHO:Ja, dieses spezielle Lied, in dem ich Sara vorstellte, heißt „Antiquity“.

Es zeichnet das Bild von jemandem, der in der Vergangenheit feststeckt – der vielleicht vor einem Bildschirm oder Fernseher festsitzt und nur mit Informationen gefüttert wird, die seine Überzeugungen festigen und nicht seine eigenen Glaubenssysteme in Frage stellen.

Sie sehen sich einfach immer und immer wieder das Gleiche an – die gleichen Nachrichten, und sie wünschen sich eine Vorstellung von dem, was einmal war, ohne zu sehen, was draußen oder im gegenwärtigen Moment passiert.

Der Text bezieht sich also auf „Das Geräusch von Glas, das Flackern eines Herzschlags“ auf jemanden, der da ist, aber nicht wirklich da ist. Der physisch am Leben ist, aber vielleicht nicht genau dort.

Es bezieht sich auf den eintönigen Alltag und darauf, wie wir Gewohnheitstiere sind. Eine Vergangenheit, die sich immer wieder wiederholt. Es ist ein Kommentar – eine Karikatur über jemanden, der so ist, und wollen wir so sein? Ich habe dies geschrieben und dabei an diese Art von Person gedacht – ist das jemand, der ich sein möchte? Sie stecken in ihrer eigenen glückseligen Unwissenheit fest – in einer Art Fegefeuer.

So habe ich es in diesem Zusammenhang verwendet, und das ist das einzige Mal, dass es auf dem Album gesprochenes Wort gibt. Der andere Text ist in „Jus Ad Bellum“. Ich wollte nicht, dass es ein Album mit viel gesprochenem Wort wird; Ich hatte einfach das Gefühl, dass es für dieses spezielle Stück notwendig war, etwas mehr von der Erzählung zu erklären.

LJN: Die Einbeziehung von Mark Turner ist für mich interessant; Fabian spielt auf der nächsten Platte von [Tenorsaxophonistin] Melissa Aldana, und ich weiß, dass sie in der Turner-Schule ist. Erzählen Sie mir von Ihrer Vorstellung von ihm in dieser Welt, wie sich Ihre Wege kreuzten und was ihn dazu brachte, auf dieser Platte mitzuspielen.

LMHO: Ich hatte das Glück, in verschiedenen Phasen ein wenig mit Mark zu spielen. Ich glaube, das erste Mal, dass wir miteinander gespielt haben, war bei einem Lehraufenthalt am Stanford Jazz [Workshop].

Außerdem konnte ich ihn in Dänemark beim [Sommer-Jazzcamp in] Vallekilde mit seinen Schülern sehen. Er war schon immer mein Held; Er war auf so vielen Platten zu hören, die ich wirklich geliebt habe.

Ich liebe ihn als Komponisten und einfach seinen Stil – seinen schönen, warmen, dunklen Klang, der meiner Meinung nach so gut mit Saras Stimme harmoniert. Sie können sie auf Saras [2020] Album [Recognition] hören, auf dem Mark zu hören ist. Als ich das hörte, dachte ich: „Oh, das wäre eine tolle Kombination.“ Diesen Sound und diese Persönlichkeit in meinen Songs zu hören, war eine echte Reise, weißt du?

LJN: Es ist eine Freude, Obed Calvaire zum ersten Mal seit Ihrem Debütalbum „Entry“ auftreten zu hören. Erzählen Sie mir von Ihrer Verbindung zu ihm.

LMHO:Ja, Obed ist auf meiner ersten Platte, einer Trio-Platte mit [Trompeter und Komponist] Ambrose Akinmusire.

Im Laufe der Jahre habe ich, abgesehen von diesem Album, vielleicht ab und zu mit Obed gespielt, weil er so, so beschäftigt ist. Er ist so ein unglaublicher Schlagzeuger; er ist seiner Kunst so hingegeben. Es gibt wirklich nichts, was er am Schlagzeug nicht kann.

Ich hatte das Glück, ihn auf dieser Platte dabei zu haben, und was er mitbringt: sein tiefes Gespür für Grooves und sein Sound sind zwei Dinge, die mich als Bassist wirklich verbinden.

Ich denke, dass Schlagzeuger für mich als Bassist die wichtigste Verbindung in der Band sind, verstehst du? Es muss jemand sein, dem wir vertrauen, und jemand, der uns auch herausfordert und antreibt. Und Obed tut genau das.

Dieses eine Lied, „The Imperative“: Ich bin wirklich froh, dass er gegen Ende dabei ist. In diesem Lied geht es um Mut und Widerstandskraft – darum, die andere Seite der Pandemie und das, was wir durchgemacht haben, zu überwinden.

LJN:Wie spiegelt The Glass Hours Ihre Entwicklung als Bassist und Komponist wider?

LMHO:In dieser Musik sind einige Dinge eingebettet, die eine größere Herausforderung darstellen, sowohl im Hinblick auf die Dinge, an denen ich mit dem Instrument gearbeitet habe, als auch im Hinblick auf den Rhythmus, um durch diese Musik Bewegung und Emotionen zu erzeugen, und diese Spannung und Spannung freigeben.

Ich habe diese Rhythmen etwas komplexer gestaltet, um die Spannung etwas hervorzuheben. Im ersten Titel „Circles“ gibt es zwar einen Puls, aber auch all diese rhythmischen Erkundungen; Es ist irgendwie schwer, es zu begreifen. Das ist die Idee; Es ist dieses Laufband, das uns daran erinnert, dass wir nie ganz aufhören.

Aber gleichzeitig ist der Fluss des Albums ziemlich dramatisch. Man beginnt mit etwas, das ziemlich hektisch ist, und es fühlt sich an, als gäbe es bis zum Ende fast keine Bodenhaftung. Und das führt zur nüchternen „Antike“. Es gibt scharfe Stimmungs- und Raumkontraste, um diese Unterschiede wirklich hervorzuheben.

Was meine Entwicklung angeht, habe ich das Gefühl, dass ich mit The Glass Hours mehr Risiken eingegangen bin und einige der Gesangstexturen hinzugefügt habe – und auch Texte hinzugefügt habe, was ich nicht allzu oft mache – Elemente, über die ich währenddessen wirklich viel nachgedacht habe Ich habe das geschrieben.

Und ich wollte absichtlich, dass ein Quintett größer und voller klingt als ein Quintett, wissen Sie? Obwohl es einige sehr offene Teile gibt, ist es so orchestriert, dass ich – insbesondere im Bass – mehr als eine Rolle gleichzeitig spiele und mehr als eine Funktion ausübe.

LINKS: Linda May Han Ohs Website

Kaufen Sie The Glass Hours

Linda May Han Oh interviewt für LJN „Mothers in Jazz“

(Hinweis: Die im Intro erwähnten Sideperson-Auftritte sind hier und hier gesammelt.)

Kategorien: Feature/Interview, Montags mit Morgan

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