Designerinnen der Arts and Crafts-Bewegung

Höhepunkte

Die Arts-and-Crafts-Bewegung entstand Mitte des 19. Jahrhunderts in England und gewann in Europa und den Vereinigten Staaten als Lösung für die wahrgenommenen Übel der Industrialisierung, der mechanisierten Produktion und der Urbanisierung an Dynamik.

Die Befürworter der Bewegung zelebrierten Handwerkskunst und Arbeitsfreude und versuchten, Kunst und Alltag durch Einrichtungsgegenstände zu vereinen. Designer und Handwerker aus den Vereinigten Staaten und Europa suchten typischerweise nach ästhetischen Inspirationen in der Natur und nicht-westlichen Kulturen, setzten sich für die Integrität der Materialien und eine unkomplizierte Konstruktion ein und favorisierten minimale Ornamentik als Gegenmittel zu den kunstvollen Renaissance-Stilen ihrer Zeit.

Viele Frauen spielten eine Schlüsselrolle in der Arts-and-Crafts-Bewegung, und diese Highlights-Tour stellt eine Reihe dieser Künstlerinnen, Designerinnen und Handwerkerinnen vor, die Schlüsselfiguren der Bewegung waren und von ihr inspiriert wurden.

Agnes Northrop war die visionäre Designerin hinter dem Hartwell Memorial Window. Sie kam 1884 zu den Tiffany Studios und entwickelte sich im Laufe ihrer fünf Jahrzehnte dauernden Karriere zu einer wichtigen kreativen Mitwirkenden. Sie arbeitete hauptsächlich als Designerin für Landschaftsfenster, hatte ein besonderes Auge für Flora und Fauna und fertigte häufig Entwürfe für speziell in Auftrag gegebene Fenster an. Während ihrer langen Tätigkeit bei Tiffany war sie als Leiterin der Frauenabteilung tätig, einer Gruppe weiblicher Kunsthandwerkerinnen, die das Glas für die komplizierten Projekte des Studios auswählten und schliffen. Northrop bevorzugte jedoch die kreative Seite ihrer Arbeit gegenüber der Leitung und übergab die Rolle gerne an eine andere wichtige Designerin – Clara Driscoll. Northrop hatte innerhalb des Unternehmens große künstlerische Freiheit. Sie arbeitete eng mit Tiffany zusammen und reiste zeitweise mit ihm zu Besichtigungen und Skizzen. Für einige ihrer Entwürfe sicherte sie sich ungewöhnlicherweise auch Patente. Das Hartwell Memorial Window ist eine der größten Errungenschaften von Northrop, und sein Fokus auf die Schönheit der Natur sowie auf ihre handgefertigte Natur verkörpert die Ideale der Arts and Crafts-Bewegung. Sehen Sie sich das Hartwell Memorial Window oben im Woman's an Steigen Sie in Grand Staircase ein und erfahren Sie mehr über das außergewöhnliche Werk.

Agnes Northrop (1857–1953)

Unbekannter Fotograf, Studio Davis und Sanford. Das Metropolitan Museum of Art, New York, Schenkung von Paul Nassau

Blick auf den Glasraum der Tiffany Glass and Decorating Company von Art Interchange 33, Oktober 1894

Lampe mit „Hanging Head Dragonfly“-Schirm und „Mosaic and Turtleback“-Sockel, von 1906

Tiffany Studios (Firma)

In den 1890er Jahren begann Louis Comfort Tiffany, sein leuchtend schillerndes und opaleszierendes Favrile-Glas zur Herstellung von Lampen zu verwenden, der dekorativen Form, für die er am meisten berühmt werden sollte. Als künstlerischer Leiter der Tiffany Studios in Corona, New York, genehmigte er alle Muster, entwarf jedoch nur relativ wenige Lampen selbst. Clara Driscoll, Leiterin der Abteilung für Glasschliff für Frauen in den Tiffany Studios, war wahrscheinlich für die Gestaltung dieses Libellenschirms und -sockels verantwortlich. Driscoll begann 1888 für Tiffany zu arbeiten und entwarf die meisten Lampen der Firma, bevor sie das Unternehmen um 1909 verließ. Driscoll schuf mindestens acht Libellenschirme, und dieses Exemplar zeichnet sich durch seine Größe, die Glascabochons und die Platzierung der Lampen aus Insektenkörper am unteren Rand. Während Tiffany Studios diese Schirme und Sockel in Massenproduktion herstellte, variierte das Unternehmen das Farbschema jedes einzelnen Objekts, um den Sinn für Handwerkskunst zu verstärken. Dieses gewagte Design wurde zu einem der beliebtesten von Tiffany und wurde bis 1924 hergestellt.

Dieses Werk ist in der Galerie 178 zu sehen.

Marie Zimmermann war eine bahnbrechende Juwelierin und Metallschmiedin, die eine Reihe von Materialien verwendete, um verführerische Oberflächen wie die dieser Flasche zu schaffen. Zimmermann interessierte sich für die Geschichte des Designs und der Metallschmiedekunst auf der ganzen Welt; Sie ließ sich von einer Vielzahl von Kulturen und künstlerischen Bewegungen inspirieren, vom alten Ägypten und China bis zur Arts and Crafts-Bewegung und dem Bauhaus. Diese Flasche ist ein raffiniertes Beispiel für Zimmermans Fähigkeit, die schlanken Linien des Modernismus – im Gefäßkörper – mit ihrem Interesse an chinesischer Kunst – im Lapis-, Jade- und Metallstopfen – zu kombinieren. Es entstand an einem entscheidenden Punkt ihrer Karriere, als sie begann, ihre Produktion über den Schmuck hinaus auf Dekorationsgegenstände für das Zuhause zu erweitern.

Dieses Werk ist in der Galerie 264 zu sehen.

Zimmermann war häufig an jährlichen Kunsthandwerksausstellungen in Chicago beteiligt und knüpfte eine Beziehung zu Frau James Ward Thorne von den Thorne Miniature Rooms des Art Institute. Thorne beauftragte Zimmermann mit der Herstellung der Altarausstattung und Beleuchtungskörper für die Miniaturkirche der englischen römisch-katholischen Kirche im gotischen Stil (1275–1300), die noch heute zu sehen ist.

Marblehead Pottery ist ein Beispiel für die Beschäftigung der amerikanischen Arts and Crafts-Bewegung mit therapeutischer Reform durch Kunsthandwerk. Herbert Hall richtete 1904 in seinem Sanatorium in Marblehead ein Keramikatelier ein, um „nervös erschöpfte Patienten“ zu rehabilitieren. Nach kurzer Zeit wurde die Töpferei zu einer vom medizinischen Programm getrennten Einheit mit einem kleinen Team von Männern und Frauen, die sich auf das Entwerfen, Werfen, Dekorieren und Glasieren der charakteristischen mattglasierten Gefäße des Unternehmens spezialisierten. Diese Vase mit ihrem eingeschnittenen Fries, das eine stilisierte Sumpflandschaft darstellt, spiegelt das künstlerische Können und die Kreativität von zwei der ersten weiblichen Mitarbeiterinnen von Marblehead wider: der Designerin Annie E. Aldrich und der Dekorateurin Sarah Tutt.

Dieses Werk ist in der Galerie 178 zu sehen.

Jessie Preston stammt aus Oak Park, Illinois und ist eine erfahrene Juwelierin und Metallarbeiterin. Sie studierte in den 1890er Jahren am Art Institute und eröffnete um 1900 ein Atelier im Fine Arts Building an der Michigan Avenue. Dort entwarf, fertigte und verkaufte sie vom französischen Jugendstil beeinflusste Bronzeobjekte sowie Schmuck aus Silber und Halbedelsteinen im mit Chicago verbundenen Arts and Crafts-Stil. Prestons Arbeiten waren beliebt und sie verkaufte jedes Jahr viele Stücke auf der jährlichen Kunst- und Handwerksausstellung des Art Institute.

Dieser Kandelaber ist ein Beispiel für eines von Prestons erfolgreichsten und anmutigsten, vom Jugendstil beeinflussten Designs. Wie so viele ihrer Metallarbeiten verwandelte Preston auch diesen Kandelaber in eine dynamische, organische Form mit Eigenleben und Eigenbewegung. Erfahren Sie in diesem Artikel mehr über Prestons Leben und Werk.

Dieses Werk ist in der Galerie 177 zu sehen.

Marion Mahony Griffin

Innenansicht der Church of All Souls in Evanston, Illinois

Marion Mahony Griffin (1871–1961) war eine einflussreiche Architektin, Designerin und Künstlerin. Sie besuchte das MIT und war die erste zugelassene Architektin in den Vereinigten Staaten. In Chicago arbeitete Mahony Griffin im Oak Park Studio von Frank Lloyd Wright, wo sie an großen Architekturprojekten beteiligt war und dabei half, Wrights ikonischen Designstil der Prairie School zu definieren. 1911 heiratete sie Walter Burley Griffin, einen Architektenkollegen, Landschaftsarchitekten und Stadtplaner, und gemeinsam gründeten sie ein erfolgreiches Architekturbüro. Mahony Griffin war außerdem Gründungsmitglied der Chicago Arts and Crafts Society. Die All Souls Unitarian Church ist eines der wenigen Projekte, die ausschließlich Mahony Griffin zugeschrieben werden können. Die Gemeinde dieser Kirche im Chicagoer Vorort Evanston betrachtete Poesie und Theater als Teil des spirituellen Lebens. Mahony Griffin spiegelte diese Eigenschaften in einem intimen und stimmungsvollen Design wider, das eine Fülle von Buntglasfenstern aufwies. Leider wurde die Kirche 1960 abgerissen, aber diese Lampe ist in der Sammlung des Kunstinstituts erhalten geblieben.Dieses Werk ist in der Galerie 285 zu sehen

Ann Macbeth, eine Künstlerin, die sich mit der Arts-and-Crafts-Bewegung beschäftigte, wurde 1908 Leiterin der Stickereiabteilung der renommierten Glasgow School of Art. Sie hatte Ende des 19. Jahrhunderts an der Schule studiert und mehrere Beispiele ihrer Seidenapplikationsstickereien erhalten in Form von Tischdecken, Bildern und dekorativen Ensembles erschienen in der beliebten britischen Designzeitschrift The Studio und wurden für ihr Design und ihre Technik gelobt. Der Direktor der Glasgow School of Art, Francis Newberry, lobte Macbeth als „einen kreativen Künstler und nicht als einen Anhänger der Tradition“.

In ihrem Werk „Die Braut“ tragen die Figuren voluminöse, aber dennoch zart fließende Gewänder, die mit winzigen Mustern wie Herzen verziert sind. Macbeth schmückte ihr seidenes Haar mit Blumenkronen und zeichnete ihre Gesichtszüge einfach und einfühlsam nach. Blühende Bäume füllen den kleinen Hintergrundraum und zierliche Blüten bilden einen bezaubernden Gang für die gleichnamige Braut, die einen Blumenstab trägt. Diese pastorale Darstellung betont die Harmonie und Schönheit der Natur und spiegelt die Kunst- und Handwerksausbildung des Künstlers wider.

Weinblatt, 1896

Entworfen von May Morris, hergestellt von Morris & Company. Schenkung der Crab Tree Farm Foundation

May Morris, etwa 1909

Bain News Service, Herausgeber. Library of Congress, Abteilung Drucke und Fotografien, LC-DIG-ppmsca-08778. Sammlung George Grantham Bain

May Morris, vor 1921

Unbekannter Fotograf. National Portrait Gallery, London, Fotosammlung. Gegeben von Robert R. Steele, 1939. © National Portrait Gallery, London. NPG x 1105

Die Designerin, Lehrerin, Dozentin und Aktivistin May Morris war praktisch von Geburt an in die Welt des britischen Designs eingetaucht. Ihr Vater William Morris gründete Morris & Co., ein Einrichtungsimperium, das zum Synonym für die britische Arts-and-Crafts-Bewegung des späten 19. Jahrhunderts wurde. Nach einer formellen Kunstausbildung in London wurde May 1885 zur Leiterin der Stickereibetriebe von Morris & Co. ernannt – sie war gerade 23 Jahre alt. Diese Tischdecke veranschaulicht ihre Kunst- und Designphilosophie, die sie in ihrem Buch Decorative Needlework dargelegt hat. Darin plädierte sie dafür, dass Designer die Natur studieren und eine begrenzte Anzahl von Stichen verwenden sollten. Während ein Großteil von Vine Leaf mit einfachen Stopfstichen gefüllt ist, zeigt sich Mays Können in den Variationen der Stichrichtung, die das Lichtspiel auf der Oberfläche subtil verschieben. May Morris nutzte ihre Vorteile auch, um das Leben von Frauen zu verbessern, denen es weniger gut ging . Sie gründete 1907 die Women's Guild for Arts, um Künstlerinnen und Designerinnen die fehlende Unterstützung zu bieten, da sie aufgrund ihres Geschlechts aus der Art Worker's Guild ausgeschlossen waren.

Lesen Sie mehr über May Morris in unserem Blog. Vine Leaf war zusammen mit mehreren anderen Entwürfen von May Morris in der Ausstellung „Morris and Company: The Business of Beauty“ zu sehen.

Künstlerische Handarbeiten wurden zu einer bedeutenden Praxis und einem Merkmal der Arts-and-Crafts-Bewegung des späten 19. Jahrhunderts. Die Gründer der Leek Embroidery Society, Elizabeth Wardle (1834–1902) und Thomas Wardle (1831–1909), waren mit dem Künstler, Designer und Schriftsteller William Morris (Englisch, 1834–1896) bekannt. Der Stil der Leek-Schule wurde oft von historischen Handarbeiten inspiriert und die kleinen Blumen auf dieser Tischdecke erinnern an Stickmuster aus dem 17. Jahrhundert.