Das Houston Ballet schafft eine elektrisierende „Divergenz“ – es gibt nichts Einfaches in diesen Stücken, einschließlich der Weltpremiere eines Tanzmeisters

Künstler des Houston Ballet in Aszure Bartons „Angular Momentum“. (Foto von Lawrence Elizabeth Knox. Mit freundlicher Genehmigung des Houston Ballet)

Die Haupttänzer des Houston Ballet, Jessica Collado und Connor Walsh, mit Künstlern des Houston Ballet in Justin Pecks „Under the Folding Sky“. (Foto von Lawrence Elizabeth Knox. Mit freundlicher Genehmigung des Houston Ballet)

Harper Watters, erster Solist des Houston Ballet, in Justin Pecks „Under the Folding Sky“. (Foto von Lawrence Elizabeth Knox. Mit freundlicher Genehmigung des Houston Ballet)

Houston Ballet-Solistin Alyssa Springer und Künstler des Houston Ballet in Stanton Welchs „Divergence“. (Foto von Lawrence Elizabeth Knox. Mit freundlicher Genehmigung des Houston Ballet)

Künstler des Houston Ballet in Stanton Welchs „Divergence“. (Foto von Lawrence Elizabeth Knox. Mit freundlicher Genehmigung des Houston Ballet)

„Divergence“ des Houston Ballet – mit Aufführungen bis zum Sonntag, dem 4. Juni – ist durch und durch eine großartige, elektrisierende und glamouröse Show. Die drei Stücke werden in chronologischer Reihenfolge präsentiert. Sie beginnen mit zwei Stücken aus dem Repertoire des Balletts und schließen mit einer mit Spannung erwarteten Weltpremiere des New York City Ballet-Choreographen Justin Peck.

Diese Struktur ermöglicht es dem Publikum, die gesamte Bandbreite der herausragenden Technik, Musikalität und Fähigkeit zu lyrischer Anmut des Ensembles zu sehen, Qualitäten, die niemals von der von der Kunstform geforderten Athletik überwältigt werden.

Das Eröffnungsstück ist Divergence des künstlerischen Leiters des Houston Ballet, Stanton Welch, das 1994 mit dem Australian Ballet und 2004 mit dem Houston Ballet uraufgeführt wurde. Es ist ein wunderschönes und aufregendes Werk mit Musik von Georges Bizet aus L'Arlésienne (1872), einem Stück von Alphonse Daudet. Die Musik verwendet französische provenzalische Volkslieder und eine provenzalische Trommel (Tambourin) aus der Camargue, einer Region, die für ihre gleichnamige Pferderasse, Cowboys und Stierkämpfe bekannt ist.

Welch fängt auf brillante Weise den expansiven Geist der Camargue und den Flair eines Paseo (Parade) in Arles vor einem Stierkampf ein.

Wenn sich der Vorhang vor einem abstrakten Hintergrund aus rotem Licht hebt, wissen wir, dass uns ein großes Drama bevorsteht. Die Spitzenballerinas sind von Kopf bis Fuß in Schwarz gekleidet. Am dramatischsten sind ihre harten, untertassenartigen schwarzen Tutus mit rotem Rand, die an den traditionellen Stierkämpferhut erinnern (von Vanessa Leyonhjelm fantasievoll für die ursprüngliche australische Produktion entworfen). Aber warte. . . Was sind das für kleine, niedliche Hörner auf den Köpfen der Ballerinas? Sind wir vielleicht in der Hölle?

Doch dann übernimmt Bizets vertrauter und pochender Marsch der Könige die Oberhand, der Humor des Choreografen kommt durch und wir befinden uns in Arles in einfacheren Zeiten vergangener Tage.

Wenn es um Bewegung geht, ist hier jedoch nichts einfach. Jeder Tänzer führt Welchs anspruchsvolle Choreografie mit atemberaubender Präzision vor. Klassische Beinarbeit wird oft mit zeitgenössischen Oberkörperhaltungen kombiniert, wie zum Beispiel gebeugten Händen, einem Motiv aus dem modernen Tanz. „Modern“ ist auch Beckanne Sisks brillantes, krabbenartiges Seitwärtskriechen über die Bühne, das ihre langen Beine und ihre phänomenale Streckung zur Schau stellt. Yuriko Kajiya ist exquisit in ihrer Anmut, rein und puppenhaft, aber niemals naiv. Die verschiedenen Pas de deux faszinieren durch ihre ständige Bewegung und hypnotische, scheinbar mühelose Fließfähigkeit.

Und was für ein Spaß und welche Freude, wenn das Ballett mit der fröhlichen Melodie von Bizets Suite Nr. 2 endet. Ballerinas, die nicht mehr gefesselt sind, werfen ihre Tutus zu den Klängen krachender Symbole und einer Trommel ab.

Der Vorhang fällt, die Menge brüllt vor Anerkennung und ich kritzele im Dunkeln auf meinen Notizblock: „Triumph!“

Wir starten im Arles des 19. Jahrhunderts und landen Mitte des 20. Jahrhunderts im intensiven amerikanischen Weltraumforschungsprogramm, bei dem Space City Houston eine historische Rolle spielte. Der Choreograf Aszure Barton markiert diese Erfolge in Angular Momentum, das 2012 vom Houston Ballet uraufgeführt wurde.

Unter dem Titel „The B Sides: Five Pieces for Orchestra and Electronica“ von Mason Bates aus dem Jahr 2009 wird das Stück zu einem einzigartigen Lobgesang auf die ersten amerikanischen Astronauten und lädt uns zu einer imaginären Ballettreise ein, die von unseren Astronautenpionieren inspiriert wurde. Untermalt von leisen, hohen elektronischen Klängen, die an mögliche Kommunikationen von anderen Planeten erinnern, ist Bates' Partitur eine ideale Begleitung für außerweltliche Ereignisse, die auf der Bühne dargestellt werden.

Die Klänge variieren von knackig synkopiert über jazzig bis stark perkussiv (da kommt die Schreibmaschine im Orchestergraben zum Einsatz).

Zum Erfolg des Stücks trägt auch das Bühnen- und Lichtdesign von Burke Brown bei. Seine Entscheidung, einen beleuchteten geometrischen Hintergrund mit gelegentlich wechselnden Farben bereitzustellen, stellt einen interessanten Kontrast zu der im Titel angedeuteten spiralförmigen Bewegung dar und verstärkt die Bewegung auf der Bühne, statt sie abzulenken.

Waren wir auf Apollo 11 als blinder Passagier unterwegs? Es ist eine kurze Reise zum Mond, wo wir auf außerirdische Wesen in orangefarbenen Trikots stoßen. Strategisch platzierte Streifen verdecken, ob es sich um Männer, Frauen oder überhaupt um Menschen handelt. Ihre Existenz überzeugt jedoch durch Fritz Mastens meisterhafte Kostüme, die Bartons fantasievoller Fantasie freien Lauf lassen.

Sie formt ihre Kreaturen mit ruckartigen Bewegungen und Zuckungen in allen möglichen Winkeln. Die Ankunft von drei Astronauten in vulkanisch-ähnlichen Kostümen aus glitzerndem Gold fasziniert die Außerirdischen ebenso wie uns.

Der unvergesslichste Moment in Angular Momentum wird das fesselnde „Moon Pas de Deux“ von Melody Mennite und Connor Walsh bleiben, aufgeführt zu Bates‘ drittem Satz „Gemini in the Solar Wind“.

Schwerelosigkeit erforderte noch nie so viel körperliche Kraft. Wir sehen, wie Walsh seine Partnerin hochhebt und ihr erlaubt, in die Luft zu steigen, in Zeitlupe zu gehen und sich über dem Boden zu drehen. Wir sind wie gebannt davon überzeugt, dass der Choreograf Aszure Barton zusammen mit Mennite und Walsh und der gesamten Truppe tatsächlich den Planeten Erde für mindestens ein paar Minuten verlassen und uns mitgenommen hat.

Dem Applaus nach ihrem Auftritt nach zu urteilen, hatte das Publikum großen Spaß an der Reise.

Die Tänzer des Houston Ballet haben in den ersten beiden Stücken ihr Können unter Beweis gestellt. Der Fokus liegt nun auf Justin Pecks Aufgabe, Bewegung, Musik, Licht und Bühnenbild zu einem neuen und einzigartigen Tanz zu verschmelzen, der idealerweise Teil des Repertoires der Kompanie wird.

Peck ist seit 2014 Hauschoreograf des New York City Ballet und hat sich mit seiner mit dem Tony Award ausgezeichneten Choreografie für die Broadway-Wiederaufnahme von „Carousel“ im Jahr 2018 und seiner Arbeit an Stephen Spielbergs Remake von „West Side Story“ im Jahr 2022 über die Tanzwelt hinaus Berühmtheitsstatus erworben.

Pecks Besuch bei James Turrells Kunstinstallation „Twilight Epiphany“ auf dem Campus der Rice University war die Inspiration für Under the Folding Sky. Turrell nutzt Lichtdesign und die Veränderung des natürlichen Lichts, um über einen Zeitraum von 40 Minuten im Morgen- oder Abendlicht ein persönliches Erlebnis des Fortschreitens der Zeit zu schaffen.

Peck bezeichnet es als „eines der größten Kunstwerke der Welt“. Damit einher geht, sagt er, „ein Frieden und eine meditative Qualität“, da sich die Erdbewegung schrittweise verschiebt und sich Farben und die Himmelslandschaft ändern.

Pecks Bewunderung für „Twilight Epiphany“ könnte Erwartungen an ein traumhaftes Ballett mit einer Farbentwicklung wecken, die sich im Morgengrauen in Spritzer aus Rot und Gelb entfaltet oder sich in der Dämmerung in eine Palette von Pastelltönen faltet. Tatsächlich passiert in Under the Folding Sky fast das Gegenteil. Anstelle einer Zen-ähnlichen Kontemplation präsentiert Peck einen „Organismus“, wie er ihn nennt, der sich in immer komplexeren und interessanteren Mustern von einem auf 24 Tänzer vervielfacht.

„Es ist, als würde man ein Kaleidoskop betrachten“, sagt Peck.

Doch anders als das Spielzeug mit den leuchtenden, wechselnden Farben, das Sie in Ihrer Kindheit vielleicht fasziniert hat, ist Pecks Kaleidoskop ein monotoner zeitgenössischer weißer und grauer Minimalismus.

Der Tanz ist alles andere als friedlich und steht im Kontrast zur pulsierenden, immer lauter und immer schneller werdenden Musik von Philip Glass aus dem dritten Akt seiner Oper „The Photographer“ von 1982.

Die 40 Jahre alte Musik könnte der Schlüssel zu dem Gefühl sein, dass das Stück eher Retro als Durchbruch ist, da Glass seit Jahrzehnten bei Choreografen beliebt ist.

Jerome Robbins‘ Jahrgang 1984 „Glass Pieces“ (Musik natürlich von Glass) kommt mir als Vorläufer von „Under the Folding Sky“ in den Sinn. Robbins, der Pecks choreografischer Vorgänger am NYCB und der ursprüngliche Choreograf von West Side Story war, eröffnet „Glass Pieces“ mit dem Ensemble, das rasend schnell und kreuz und quer durch eine Stadtlandschaft schreitet, die sich wie eine Fußgängerzone anfühlt. Peck schließt „Under the Folding Sky“ mit einem ähnlichen Kreuzungsmuster ab, einem mittlerweile etablierten Stilmittel im zeitgenössischen Tanzvokabular.

Angetrieben von Glass' unaufhaltsam repetitiver Musik strebt Peck nach einem immer hektischeren Ende. Es ist die herausragende Technik der gesamten Kompanie in ihrer kontrollierten, ständigen Bewegung, die das Retro-Tanzvokabular zu etwas Frischem erhebt, das das Publikum scheinbar mitreißt. Bemerkenswert war die Energie aller männlichen Tänzer, mit besonderem Lob an Harper Watters, der mit seinem unverwechselbaren Charisma die Blicke auf sich zieht.

Mit seinem enormen Industriedesign, das auf den ersten Blick wie zwei Metallspitzen aussieht, verleiht Karl Jensens Bühnenbild dem hyperaktiven Ballett, das auf der Bühne stattfindet, eine gewisse Ernsthaftigkeit. Die Spitzen werden zu Speichen und bewegen sich unmerklich, bis sich einige von ihnen auffächern wie mehrere Zeiger einer Uhr.

Das Design spiegelt Turrells Twilight Epiphany in seiner unmerklichen, aber konstanten Bewegung wider – und bietet darüber hinaus eine Kulisse, die wie das Universum die Raserei und Vergänglichkeit der menschlichen Leidenschaften, die sich darunter abspielen, in den Schatten stellt. Tanzen wir nicht, wie der Schriftsteller Anthony Powell es ausdrückte, „zur Musik der Zeit“?

Reid Bartelme und Harriet Jung entwarfen die locker sitzenden, etwas durchscheinenden, identischen Ganzanzüge mit Rundhalsausschnitt, die an eine Zeit erinnern, in der weite Hosen anstelle von Strumpfhosen bei Balletttänzern revolutionär wirkten (die losen „Hosen“ in Glass' Einstein on the Beach (1976), (Choreographie von Lucinda Childs, fällt mir ein). Sie erreichen jedoch Pecks Ziel eines „einen Organismus“ geschlechtslosen Aussehens.

Es stellt sich die Frage, ob die gleichmäßige weiße Wattebauschfarbe trotz der minimalen Lichtdurchlässigkeit des Stoffes die Atmosphäre vielleicht stärker sterilisiert als beabsichtigt war – oder vielleicht war das genau die Absicht.

Peck beendet das Stück mit Tänzern, die sich erschöpft und fertig flach auf die Bühne werfen, während Jensens komplexe Geometrie über ihnen auftaucht. Das Publikum springt auf. Interessanterweise wissen sie, dass trotz der Versuche, die Menschlichkeit aus der zeitgenössischen Kunst selbst in den abstraktesten Formen zu entfernen, diese von visionären und sehr menschlichen Künstlern geschaffen wird, und wir stehen in ihrer Schuld.

„Divergence“ des Houston Ballet wird diese Woche im Brown Theater des Wortham Centers fortgesetzt. An diesem Freitag, 2. Juni, und Samstag, 3. Juni, gibt es Vorstellungen um 19:30 Uhr und eine Matinee um 14:00 Uhr am Sonntag, 4. Juni. Weitere Informationen und Tickets finden Sie hier.