Phyllis Baker Hammond wird mit einer Retrospektive in der J. Mackey Gallery in East Hampton geehrt

Die gefeierte Bildhauerin Phyllis Baker Hammond mit ihren lebendigen Aluminiumskulpturen „Break Thru“ und „Concentric Bird“ in der J. Mackey Gallery in East Hampton. Bildnachweis: J. Mackey Gallery East Hampton / Amie Hollmann

„Ich scherze immer, dass ich Hausfriedensbruch begangen habe“, sagte Justine McEnerney über den Sommertag im Jahr 2018, als sie von der Springs Fireplace Road auf eine kiesige Auffahrt in East Hampton abbog.

Angezogen von den hohen, glänzenden, frei geformten Skulpturen, die den Privatweg säumen, der zu einem Studioeingang führt, wollte sie herausfinden, ob eine kleinere Version der farbenfrohen Blechassemblagen für sie zum Kauf verfügbar sei. Was sie entdeckte, war nicht nur eine bezaubernde Sammlung von Denkmälern aus pulverbeschichtetem Aluminium, sondern eine Ansammlung von Werken, die ein Leben lang meisterhafter künstlerischer Erkundung widerspiegelten.

„Es gab einige unrealisierte Mixed-Media-Stücke am Pool, alte Tonarbeiten hinter Büschen – es war wie ein magischer Garten“, erinnerte sich McEnerney, der damals Galeriemanager der OSilas Gallery des Concordia College in Bronxville war.

Heute besitzt McEnerney die J. Mackey Gallery in East Hampton, wo die erste vollständige Retrospektive zu Ehren der Arbeit der Bildhauerin Phyllis Baker Hammond, die sie an diesem schicksalhaften Tag traf, stattfindet. Die Ausstellung „Phyllis Baker Hammond: Take Flight“ ist bis zum 1. September zu sehen und zeichnet den bemerkenswerten kreativen Werdegang der 94-Jährigen nach – von den geworfenen Tongefäßen, die sie in den 1950er Jahren in Japan herzustellen begann, bis zu ihrer beeindruckenden Bronze Engel der 1970er und 1980er Jahre bis hin zu den großen Aluminiumabstraktionen, die sie als Achtzigjährige in ihrem Atelier im East End mit Hammer und Amboss zu formen begann.

Zu Hammonds zahlreichen hochkarätigen Projekten gehört „Beyond the Edge“, eine Serie aus fünf Skulpturen, die 2017 auf dem Dag Hammarskjöld Plaza vor dem Hauptquartier der Vereinten Nationen in Manhattan installiert wurde, und „Redefining Space“, das 2009 für den Peace Garden geschaffen wurde das Tokiwa-Museum in Ube, Japan, zum Gedenken an die Bombardierung von Nagasaki. (Hammond lehnte eine Einladung zur Teilnahme an der Biennale von Venedig ab, um das Ube-Projekt abzuschließen.)

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Sie ist außerdem Designerin des Will Award (verliehen von der Shakespeare Theatre Company an Künstler wie Michael Kane und Maggie Smith), hat Keramik für Corning und Neiman Marcus hergestellt und war eine Pionierin der Kunsttherapie für geistig und körperlich Behinderte.

„Sie hat sich immer wieder neu erfunden“, sagte McEnerney und bezeichnete die erfahrene Bildhauerin als „eine wandelnde Kunstform“, nicht zuletzt wegen ihrer Vorliebe für pinkfarbene Turnschuhe und Pufferjacken.

Diese Kühnheit hat Hammond im Laufe ihrer Karriere zunehmend zum Ausdruck gebracht, was sich in der zunehmenden Größe und Komplexität ihrer Skulpturen widerspiegelt, trotz der körperlichen Herausforderungen, die sie in späteren Jahren mit sich brachte.

Der Künstler führte das Phänomen auf das zunehmende Selbstbewusstsein zurück. „Ich liebe es, dreidimensionale Formen zu erschaffen. Sie haben mir Freude gemacht und mir Selbstvertrauen gegeben“, sagte sie aus ihrem Zuhause in Los Angeles, wo sie seit Oktober lebt, um näher bei ihrer Familie zu sein.

Hammond umgeben von ihrer „Contained“-Reihe von Gesichtern aus Ton. Bildnachweis: Phyllis Hammond

Die lebendigen, überlebensgroßen Kreationen, die Hammond spät in ihrem Leben geschaffen hat, stehen in starkem und vielsagendem Kontrast zu ihren frühen Stücken. Sie begann als Keramikerin und fertigte handgefertigte und auf der Drehscheibe gedrehte Skulpturen an, oft mit Gesichtern, die in zylinder- und krugförmigen Formen eingesperrt waren. „Sie spiegelten das Gefühl wider, das sie hatte, eingeschlossen zu sein, das Gefühl, als Bildhauerin nicht immer respektiert zu werden“, sagte McEnerney.

Hammond, der letzten Herbst in McEnerneys Galerie saß, sagte: „Ich habe die Art von Befreiung gespürt, die sich bewegende Töpferscheibe für diese Tonform kontrollieren zu können, das war wirklich sehr, sehr aufregend. Und die Fähigkeit zu haben, diese Keramik herzustellen.“ Dieses Stück im Raum zum Singen zu bringen, war wirklich eine Offenbarung.“

Hammond wurde in Elizabeth, New Jersey, geboren und wuchs außerhalb von Boston auf. Als kleines Kind reiste er oft in die Innenstadt, um die griechischen und römischen figurativen Skulpturen im Museum of Fine Arts zu skizzieren. „Ich liebe es zu zeichnen. Ich habe ständig gezeichnet. Und Bilder gespeichert und an die Wand gehängt“, erinnert sie sich.

Hammond interessierte sich für die Arbeit mit Ton in Okinawa, wo sie mit ihrem zweiten Ehemann, Gerald Lynch, lebte, der während des Koreakrieges dort stationiert war. Obwohl die Ehe nicht von Dauer war, hielt ihre Leidenschaft für Ton doch, und nach ihrer Rückkehr in die Vereinigten Staaten schrieb sie sich für Töpferkurse ein.

Geschieden und mit einem kleinen Kind – ihre Tochter Sharon wurde 1952 geboren – kehrte Hammond nach Boston zurück, um ihren Bachelor- und Master-Abschluss an der School of the Museum of Fine Arts sowie einen Abschluss in Pädagogik an der Tufts University zu machen. Während dieser Zeit erhielt Hammond auch ein einjähriges Reisestipendium, das sie in Japan verbrachte.

„Wir blieben ein paar Monate in Tokio, wo sie Mitgliedern der Economic Society Englisch beibrachte, und dann fuhren wir weiter nach Kyoto, wo sie an der Hochschule für Bildende Künste studierte“, erinnerte sich ihre Tochter Sharon Lynch, die neun Jahre alt war die Zeit. „Ich habe das Gefühl, dass ihre Skulpturen von Menschen in Behältern teilweise von japanischen ‚Kokeshi‘ beeinflusst wurden, Holzpuppen ohne Arme und Beine.“

Laut Hammond war die Zeit, die sie in Japan verbrachte, transformierend. „Es hat mir als Frau und als Amerikanerin die Freiheit gegeben, dort zu studieren“, erklärte sie 1978 in einem Artikel der New York Times. „Ich lernte eine neue Kultur kennen, betrachtete meine Arbeit in Bezug darauf und kam mit der Freiheit nach Hause, ich selbst zu sein.“

Nach seiner Ankunft in New York City arbeitete Hammond als freiberuflicher Geschirrdesigner und Kunsttherapeut und half anderen auf ihrem Weg zur Selbstverwirklichung. „Ich habe im Bellevue Hospital mit behinderten Kindern gearbeitet, Kindern, die von Krankheiten geplagt wurden und wirklich ein sehr schwieriges Leben hatten“, sagte sie. „Ich habe sie dazu ermutigt, Selbstporträts zu machen, und es hat ihnen sehr gefallen.“

Eine Bronze aus Hammonds „Angels“-Serie und eine orangefarbene Aluminiumskulptur aus ihrer „Flight“-Serie in ihrem ehemaligen Haus in Springs. Bildnachweis: J. Mackey Gallery East Hampton / Amie Hollmann

1971 zog Hammond mit ihrem dritten Ehemann, William Hammond, nach Briarcliff Manor im Norden von Westchester. Mit ihrem eigenen Atelier und einem großen begehbaren Brennofen begann sie, die Themen und Dimensionen ihres Steinzeugs zu erweitern.

„Ihre neuesten Urnen sind freier, die Ränder entfaltet“, schrieb ein Kritiker der New York Times. „Sie bewegt sich mehr und mehr in Richtung gegenstandsloser Stücke, indem sie Formen mit Rädern, Platten und Spulenbau kombiniert.“

In einem aktuellen Interview erklärte Hammond über ihre Arbeit: „Je größer und größer sie wurden, desto mehr Freiheit gewannen sie. Es war mehr Disziplin erforderlich. Mehr Realismus und ein Spiel mit den Formen und den kontinuierlichen Oberflächentexturen. Es ist, als würden sie sich öffnen.“ Dort." Sie sind wie sich entfaltende Formen.“

Schließlich fertigte sie die Formen aus Wachs an, um Formen für große Bronzen herzustellen, darunter die beiden mehrfigurigen Gruppen „Phoenix“, die die Stufen der Büros des Connecticut Department of Environmental Protection in Hartford umrahmen.

„Für die Gesichter fertigte sie Gipsabdrücke von Menschen an, die mit Strohhalmen in der Nase und Vaseline auf ihren Gesichtern daliegen mussten. Sie benutzte meine und ihre eigene“, sagte Lynch. „Sie fertigte auch Abgüsse von Schaufensterpuppen an. Ich hatte eine Freundin aus der Visual-Merchandising-Abteilung bei Macy’s, die ihre Erlaubnis bekam, sie zu verwenden.“

1985 heiratete Hammond ihren jetzigen Ehemann, Aldo Perotto, einen Arzt. Bald darauf kaufte das Paar ein Sommerhaus in Springs und baute nach Perottos Pensionierung im Jahr 1995 ein Ganzjahreshaus im Weiler East Hampton. Die Strukturen wurden von Charles Forberg entworfen, dem Architekten hinter LongHouse Reserve, der nahe gelegenen Residenz im japanischen Stil des verstorbenen Textildesigners Jack Larsen.

Selbstporträtstudie aus Ton im Atelier von Phyllis Baker Hammond in Springs. Bildnachweis: J. Mackey Gallery East Hampton / Amie Hollmann

Hammonds Atelier, ein hoher Fertigbau mit vier Garagentoren aus Glas, wurde im Alter von 83 Jahren gebaut und markierte einen bedeutenden Wandel in ihrem künstlerischen Schaffen, der weiterhin von ihrer furchtlosen Persönlichkeit und ihrer Vorliebe für spielerische Experimente profitierte.

Es stützte sich auch auf eine Aufgabe, die sie für einen Erwachsenenbildungskurs konzipierte, den sie damals in Sag Harbor unterrichtete. Sie ermutigte ihre Schüler, auf große Blätter Papier zu kritzeln und diese dann auszumalen, auszuschneiden und wieder zusammenzusetzen, um ihre eigenen dynamischen Skulpturen zu schaffen.

„Wann immer ich Zeit habe, kritzele ich viel“, sagte sie bei einem Besuch in der J. Mackey Gallery. „Es gibt viel Abwechslung und Verspieltheit und Biegen und Wenden und vor allem das Experimentieren mit Formen und Farben. Ich nenne es Kritzeln, weil es die Kostbarkeit nimmt. Aber wissen Sie, es ist kostbar.“

Hammond begann, ihre Bleistiftzeichnungen in einen Computer einzuscannen und sie in ein Vektorprogramm umzuwandeln, das von einer Wasserstrahlmaschine gelesen werden konnte, die Formen aus großen Metallblechen schneiden konnte. Der Prozess geht auf schematische Leiterplattenzeichnungen zurück, die sie als Studentin bei einem Großrechnerunternehmen angefertigt hat.

Schließlich war Hammond von den Wegwerfresten genauso fasziniert wie von ihren primären Konfigurationen und nutzte sie zur Herstellung von Wandstücken wie „Yellow Positive“ und „Blue Dimension“, die in der aktuellen Ausstellung zu sehen sind, sowie von zweiteiligen freistehenden Assemblagen, in denen Ein Element besteht aus Formen, die aus dem anderen herausgeschnitten sind. „Sie sieht die positiven und negativen Bereiche als gleichermaßen wichtig an“, sagte McEnerney.

Um diese Arbeiten abzuschließen, brachte Hammond die Aluminiumzuschnitte zunächst zu Liberty Iron Works in Southampton, wo sie unter ihrer Leitung einer Walzmaschine zugeführt wurden, und schließlich zu Ultimate Powder Coating in Shirley, um ihr helles Furnier für Autolacke zu erhalten.

Obwohl die aufmerksamkeitsstarken Farben dieser Abstraktionen in auffälligem Kontrast zu den gedämpften, organischen Tönen ihrer früheren Bilder stehen, sieht Hammond einen direkten Zusammenhang zwischen beiden.

„[Sie] könnten seltsame Blumen oder Vögel oder Menschen von einem anderen unbekannten Planeten sein“, schrieb Hammond in einer Künstlererklärung für Kiesendahl + Calhoun Fine Art, eine Galerie in Pennsylvania, die einige ihrer Arbeiten verkauft, über ihr neuestes spielerisches Konzept Skulpturen. „Die Kräfte des Gedächtnisses und der Vorstellungskraft bringen mich voller Energie und Begeisterung an den Ort am Anfang meiner Karriere.“

Wenn man auf Hammonds sieben Jahrzehnte voller Laune und Arbeit zurückblickt, wird klar, dass sie nie ihren Elan verloren hat.

McEnerney, 48, die ihre Galerie erst vor zwei Jahren gründete, stimmte zu. „Phyllis inspiriert Sie dazu, Ihre Träume zu verfolgen – in jedem Alter.“

DER RÜCKBLICK

„Phyllis Baker Hammond: Take Flight“ ist in der J. Mackey Gallery | zu sehen East Hampton bis zum 1. September. Die Galerie ist samstags und sonntags von 10:30 bis 18:00 Uhr sowie montags bis freitags nach Vereinbarung geöffnet. Es befindet sich in 62 The Circle, East Hampton. Für weitere Informationen rufen Sie 917-592-8568 an.